Touché Films, la primera y exitosa experiencia de producción industrial en el país

Lissette Cabrera¹Actriz protagónica de 20 montajes teatrales, tres largometrajes y una serie de TV. Autora de la película Anotaciones para una vida compartida, co-guionista del largo de ficción Cara o cruz, guionista y directora del thriller Si de repente en la noche. Estudió actuación en Buenos Aires y obtuvo la beca para estudiar guion en la Universidad de Bergen, Noruega. Profesora desde 1983 en talleres de teatro, cine y actuación. Licenciada en Actuación, Diplomada en Gestión Educativa, Maestrante en Actuación.

Resumen

Hace menos de una década, un grupo de recién graduados de INCINE formó una empresa -Touché Films, y lanzó a través de Youtube su micro serie EnchufeTV; a partir de ahí su crecimiento es incesante, alcanzando más de 15 millones de suscriptores en su canal y más 5.000 millones de reproducciones. Su empresa es la primera experiencia de producción audiovisual de corte industrial en Ecuador. Lissette Cabrera entrevistó a Jorge Ulloa, director creativo de Touché Films, quien reflexiona sobre las condiciones que les han permitido alcanzar proyección internacional.

Palabras clave: Producción audiovisual; Youtube; series web; comedia; EnchufeTV.

A seis años del aparecimiento de la empresa Touché Films y del lanzamiento de su emblemática serie Enchufe TV, la empresa se ha constituido en el referente ineludible de la dinámica de producción industrial en el país, habiendo alcanzado hitos de audiencia nacional e internacional jamás soñados en la historia de la producción audiovisual ecuatoriana. Con más de 15 millones de suscriptores hasta septiembre de 2017, más de 4.700 millones de reproducciones, el canal en Youtube número uno a nivel mundial de comedia en español y múltiples premios y reconocimientos internacionales, Enchufe TV es un éxito no alcanzado antes por ninguna producción nacional.

Este abrumador éxito con el público ha sido la base para mantener una producción semanal ininterrumpida de Sketches durante seis años, a la que se han ido sumando otros productos como los fantásticos Sponsors que han instaurado una nueva forma de publicitar marcas en el país, los making off, las micro yapas, la producción de una serie de género policial y una película para Vimeo; todo esto sin contar con su avasallante ingreso a la producción para salas de cine con la película Rock N´Cola filmada en Bogotá en 2017 y que se estrenará en simultáneo en toda América Latina en el 2018.

Esta innovadora empresa que entre sus principales cabezas tiene a cineastas que no sobrepasan el rango de los treinta años, ha quebrado un paradigma fuertemente arraigado en el mundo; la idea de que un pequeño país en vías de desarrollo, como el Ecuador, no está en condiciones de exportar contenidos audiovisuales.

Para hacer un acercamiento analítico al significado de la inmensa cantidad de producción que esta empresa ha realizado en seis años y de su definitivo posicionamiento frente al público juvenil del continente, es necesario delimitar cuáles son las características que hacen único este proceso:

1. La producción de Touché Films, llega al público para el que es creada, y más allá de que llega a su público, podría decirse que es una producción que se ha ido determinando y construyendo en interacción con ese público.

2. Es una producción independiente de los avatares de las políticas públicas de promoción del audiovisual en el país, y por esto, ha sido inmune a los años más duros de la crisis económica en el Ecuador.

3. Es una producción que ha marcado un ritmo, un estilo y un concepto que se ancla en lo generacional, pero se nutre también de la cultura local y de todos los referentes cinematográficos y audiovisuales de la cultura universal.

4. Es una producción que utiliza variadas plataformas de exhibición y que se ha ido moldeando y adaptando a estas plataformas.

5. Es una producción que mezcla géneros, referentes, estilos, formatos, caminos, dinámicas productivas, ajena a todo prejuicio.

6. Es una producción que se resiste a toda clase de discurso político, moral, nacional, cultural, artístico. Es irreverente y refractaria a lo “políticamente correcto” y “las buenas costumbres”

Para entender un poco mejor este fenómeno que es ya un suceso a nivel continental, la entrevista realizada a Jorge Ulloa, en octubre del 2017, aborda temas como las motivaciones iniciales que impulsaron el proyecto, las fases de constitución que ha vivido la empresa Touché Films, la relación entre dinámicas de producción autoral y dinámicas de producción industriales. La reflexión de Jorge Ulloa, uno de los principales líderes de esta empresa a propósito de estos temas, se expone a continuación.

Lissette Cabrera: ¿Qué nació primero, Enchufe o Touché?

Jorge Ulloa: Enchufe y Touché nacieron al mismo tiempo; en realidad Enchufe era un proyecto que necesitaba una base legal, una casa para poder sustentarse y poder funcionar. Entonces, al mismo tiempo que estábamos escribiendo los primeros sketches, estábamos haciendo la constitución de la empresa que salió antes de que se estrenara el primer video de Enchufe. Touché Films y Enchufe TV nacieron al mismo tiempo.

LC: ¿Con qué premisas estéticas y empresariales surgió la serie Enchufe TV?

JU: Enchufe TV nació como una necesidad que teníamos los fundadores, como espectadores, por ver algo que quisiéramos ver. No había contenido en español que nos gustara, por lo que decidimos empezar a grabar este tipo de contenido con una premisa que hasta cierto punto puede ser grandilocuente, pero que era muy genuina en su época: era renovar el audiovisual ecuatoriano. Y en teoría renovarlo no tenía nada que ver tanto con la estética a nivel visual y sonora porque de alguna manera los comerciales estaban muy bien filmados, tenían muy buenas cámaras, muy buen sonido; pero, por lo menos nosotros, que queríamos hacer comedia, queríamos hacer una comedia completamente diferente, que no sea peyorativa, que no nos tengamos que burlar de una persona para poder reírnos, sino una comedia más vivencial que observacional y de ahí partió el concepto de Enchufe. Nuestras peores experiencias se convirtieron en nuestros mejores sketches, una comedia mucho más sincera. Esa era la propuesta que teníamos para renovar el audiovisual nacional en ese punto y ahora ha evolucionado para ser el audiovisual en español.

En realidad, Touché Films era un piso para este proyecto y para los demás. Todos sus proyectos tenían el mismo objetivo de renovar el audiovisual local; queríamos marcar un antes y un después; esa era una visión muy sincera desde el inicio. No lo pensábamos como “esto es un hobby”, sino como un trabajo que queríamos hacer y queríamos que sea muy grande; en verdad queríamos que trascienda, entonces por eso también los objetivos eran gigantes.

LC: ¿Cómo ha sido el desarrollo de esta empresa en estos años; puedes determinar ciertos momentos culminantes que transformaron a la empresa y cómo ésta se ha ido transformando en relación con el entorno?

JU: La empresa Touché Films nació de una manera súper empírica; éramos poquitas personas que trabajábamos después de clases y los fines de semana en un cuartito que nos prestó mi tía en una empresa que ella tiene de multiservicios empresariales. Cada uno aportaba con su cámara, con su equipo; las personas que querían unirse al proyecto trabajaban ad honorem. Esa fue la primera etapa, la etapa del sueño, del ideal. La segunda etapa fue cuando entró el dinero, que en teoría es la etapa de la discordia, es una etapa donde empiezan a jugar muchos más intereses; donde empiezas a tener muchas más necesidades como empresa; empiezan a haber jerarquías dentro del proceso empresarial.

La siguiente etapa fue la expansión dentro de Touché que se expresó en el hecho de tener un galpón para grabar, tener sesenta personas en rodaje, ya no tener que ser multifuncionales cada miembro del equipo, sino tener una función unitaria cada uno. Y la siguiente etapa es la etapa de la reducción; hicimos todo este monstruo y ahora necesitamos reducirnos, porque también nuestra proyección internacional hace que no toda la maquinaria tenga que manejarse dentro del país, sino que tenemos que manejarnos como equipo en diferentes partes del mundo y por eso no necesitamos algo tan grande en una sola base.

Necesitamos tener diferentes bases mucho más pequeñas, al punto de trabajar cada proyecto con un equipo, es decir, contratar por proyecto y no un equipo de producción en nómina todo un año para que trabajen todos los proyectos que entran; sino el equipo qué necesita cada proyecto y en cada país.

LC: ¿Cómo definirías los principios y los valores de funcionamiento de Touché Films?

JU: Yo creo que uno de los valores más grandes que ha hecho crecer a Touché, con el que empezamos y que es muy difícil sostenerlo, es el compromiso de hacer bien las cosas; vamos a enfocarnos en el contenido, no importa si este contenido nos da más dinero, pero éste nos mueve, éste contenido podría trascender y tenemos que hacerlo súper bien. Tenemos que apostar todas las cartas a este contenido. Entre socios creemos que tenemos que entrar antes que todos y salir después, trabajar el doble, para no tener que exigir sino para inspirar. Y esos son los valores que queremos plantear a toda la gente que trabaja con nosotros; que esto se hace solo con trabajo, no tiene nada que ver con el talento, no tiene nada que ver con la suerte, tiene que ver con el trabajo y es el valor que ha hecho que Touché Films haga este tipo de contenido apreciado.

LC: Desde tu punto de vista ¿qué es lo que define una producción industrial?

JU: Creo que la única diferencia entre una producción industrial y una producción de autor es que son las cabezas que deciden, es lo único; más que el dinero que haya y más que la cantidad de gente involucrada. Porque hay proyectos multimillonarios de autores; en Europa hay autores que manejan proyectos con crews de trescientas personas, con presupuestos millonarios como Bertolucci y es un proyecto de autor, por más que después la película sea distribuida por la Warner. En un proyecto industrial, en cambio, hay un montón de cabezas que deciden, yo soy Sony, Universal, Warner, lo que sea, yo voy a poner el dinero entonces yo tengo potestad sobre el último corte; y nosotros también pusimos dinero, entonces nosotros también queremos ver el corte. Yo creo que es la cantidad de cabezas que deciden acerca del contenido; no creo que tenga que ver ni con el presupuesto o la cantidad de personas o con la distribución, porque hay películas de autores que son vistas por millones de personas por la buena distribución que tienen, versus películas de estudio que no se ven mucho porque terminan siendo como películas de televisión. Insisto: la única diferencia entre las dos dinámicas es la cantidad de personas involucradas en las decisiones sobre la obra. Cuando una producción tiene un montón de cabezas y no es una producción acéfala ni unitaria, puede ser que estas cabezas hagan crecer de una manera impresionante el contenido o que lo maten, porque matan la visión inicial desde la cual nació el proyecto; entonces es un debate bien complicado, pero la única diferencia es la cantidad de personas que están en capacidad de decidir sobre el producto.

LC: En este momento, ¿cuáles son los retos, las dificultades y las oportunidades que tiene la empresa?

JU: Creo que uno de los retos es renacer; creo que renacer es mucho más difícil que nacer porque ya partes de un contexto, ya partes de una presión y de una expectativa que tiene la gente que ya te conoce. Creo que el reto es ese. Y el objetivo también es ese, es renacer, porque al nacer de alguna manera tienes todo el campo abierto, ahora tenemos un contexto y una expectativa que nos persigue, que hace que, si tomamos cualquier decisión para cualquier lado, va a haber gente que te seguía desde el principio a la que tal vez no le guste y va a haber gente que tal vez te aplauda. Pero ya hay gente en expectativa de lo que hacemos; entonces es difícil, pero ese es el objetivo y el reto que tiene la empresa: desacomodarse, porque estamos muy acomodados en un proyecto que gracias a Dios funcionó desde el inicio. Ahora tenemos que abandonar esa comodidad, levantarnos de la silla y decir hagamos una cosa totalmente diferente con el mismo miedo con el que empezamos y con el mismo riesgo de equivocarnos.

LC: A propósito del debate cine industrial – cine independiente, ¿cómo concibes tú la relación entre el autor y la producción industrial, en qué medida consideras que la producción industrial es un espacio de desarrollo autoral?

JU: Hay autores que hacen cine autoral, pero son el ícono del cine industrial, por ejemplo, Michael Bay, es un autor; vez una película de Michael Bay y la reconoces por su firma, por sus explosiones, por su movimiento de cámara, por los lentes que usa, por la manera en que dirige actores, sabes que es Michael Bay; él es un autor que al mismo tiempo es un ícono de la industrialización del cine porque hizo Transformers, hizo Armagedón. Un autor podría hacer cine comercial o industrial si él mismo es su productor, si él toma las decisiones finales acerca de lo que va a pasar con la obra, y eso creo que pasa con Michael Bay. Él es el último filtro de su propio contenido y eso a veces es bueno y a veces es malo; por ejemplo, George Lucas, al inicio -cuando empezó a hacer Star Wars como era su primera película- tenía muchas voces que le decían qué hacer y le tocaba obedecer porque era su primera oportunidad y la pegó tanto que después no tenía filtros. Entonces, simplemente, fue decayendo todo su proceso porque él era la única voz.

Hay un debate muy grande respecto de esto, pero si tú quieres hacer cine industrial y ser un autor, creo que tú deberías ser el productor de tu propio cine, para tener solo tú la decisión final, arriesgándote a que tu decisión final no sea la mejor. Pero también hay la satisfacción y el orgullo de decir: “esta película es como la imaginé desde un inicio y nadie me la ha cambiado”.

LC: ¿No crees tú que esta sobredimensión del individuo autor empieza a corresponder ya a otra época?

JU: Totalmente. Por ejemplo, Rock N´ Cola, que es la película que estamos haciendo, empezó como un proyecto personal mío por el hecho de que está basado en una experiencia mía; empecé a escribirla porque sabía cómo tenía que ser la película y llegué a un punto en el que no podía distanciarme de ella. Entonces les dije a mis compañeros: “oigan, no quiero escribirla solo, no quiero que haya un solo crédito de escritura de Jorge Ulloa, ¿podemos escribirla los cinco?”. Y nos sentamos a escribir los cinco escritores y la película creció de una manera absurda; te juro que hasta como autor yo prefiero que la película gane, a la final sigue siendo mi película, pero ya no es solo mi película, también es la película de ellos. La película es la que tiene que ganar, no yo. Entonces son decisiones que te pueden matar el orgullo porque tal vez en el crédito de escritura no está solo Jorge Ulloa, sino que están los cinco nombres y al final está el mío, pero la película es mucho mejor y la van a ver cinco veces más personas.

LC: ¿Cuál es la motivación de Rock N´Cola y cómo ésta se ha ido amalgamando con las demandas de la realidad?

JU: Rock N´ Cola nace como una necesidad de refrescarnos como empresa, por hacer otro tipo de contenido y producir para el gran formato. Esto es un gran reto porque hemos estado acostumbrados a que -por más que estudiamos cine-, por cinco años nos hemos entrenado para contar historias chiquititas y de alguna manera ya sabemos la fórmula para hacerlo. Ahora hacer esto es justamente desacomodarnos y ver si fallamos o no, si es que toda la expectativa se va a cumplir o no. Entonces creo que para la empresa es un camino necesario; individualmente, para todas las personas que trabajamos en esto, es un camino que hemos estado buscando antes de conocernos entre nosotros. Todos estudiamos cine por llevar un producto nuestro a la pantalla grande, nunca estudiamos cine para llevar un producto al internet. Pero qué bueno; ese fue el camino que nos entrenó durante cinco años para cometer la menor cantidad de errores posibles al pasar al gran formato.

LC: Y también hay una demanda del público por este nuevo formato.

JU: Por supuesto, el público espera esta película prácticamente desde que existimos y ahora que hay unas expectativas absurdas de todo el mundo que esperamos cumplir; con cada frame que estoy cortando en la sala de edición, pienso en mí como espectador y digo “¿va a funcionar esto?” Es muy heavy. Muchos van a entrar diciendo “que bacán estos manes, vamos a ver la película y vamos a ver si la lograron”. Hay diferentes tipos de espectadores que van a llegar con distintas expectativas a ver esta película. A diferencia de un autor que tal vez ha hecho trabajos personales y se lanza a hacer una película sin contexto y puede sorprender, pero para nosotros sorprender ya no es fácil; puede pasar, pero es más difícil porque si ese es el objetivo estamos cuesta arriba.

LC: ¿Cómo entiendes la interacción entre la obra de los cineastas y su público? ¿Crees que es una interacción en que ambos se modifican, es decir, el público modifica a la obra y viceversa o es una relación independiente? ¿Cómo ha sido para ustedes?

JU: Pienso que el contenido se tiene que hacer pensando en el espectador; creo y todos los grandes cineastas lo dicen, por más autorales que sean, que hay que pensar si o si en el espectador. Lo dicen desde Chaplin -que llevaba sus obras a pueblitos chiquitos para ver si funcionaba en todo Estados Unidos-, hasta Aronofsky -que es super autoral pero lo único que quiere es entretener a la audiencia y lo hace, de una manera perturbadora, pero lo hace-. Y es importante en qué tipo de espectador piensas; puedo decir “esta película es para niñitos de tres a trece años” o “esta película es para adolescentes malcriados de diecisiete a veinticuatro años” o “esta película es para mí como espectador” que también es una opción; es más; Enchufe nació como una cosa de “yo quiero ver esto” y si es que yo quiero ver esto, obviamente va a haber muchas personas que van a sentir como yo, que talvez no las conozca pero que esperan lo mismo que yo. En cambio, si lo hago para mí solito es una masturbación intelectual y como ya tengo la película en la cabeza, para qué la filmo, para qué gasto recursos del Estado, para qué gasto recursos de algún coproductor si es que ya lo tengo, si es que ya la vi y es para mí. Pero si la hago para mí como espectador, esperando que haya muchos más espectadores como yo, esa también es una manera de pensar en la audiencia. Como te digo, con cada frame, nosotros pensamos en la gente que nos va a ver; pensamos en el público en cada movimiento que hacemos.

LC: ¿Qué tipo de película es Rock N’Cola? ¿Se enmarca en un género?

JU: Si, en teoría es una comedia romántica; yo diría una comedia romántica explosiva. No es lo mismo ver “Cincuenta primeras citas” y esto (Rock N´Cola). En estética es otra cosa, en ritmo es otra cosa, pero como género dramático es una comedia romántica y también como género matricial es una comedia; el personaje termina cumpliendo un objetivo.

LC: ¿En qué sentido Rock N´ Cola es una continuación de la estética de Enchufe y en qué sentido es un desarrollo?

JU: Enchufe fue como el gimnasio de nuestro lenguaje durante cinco años, fue un lenguaje que lo desarrollamos y que ahora lo estamos poniendo a prueba. Por ello sí es una continuación, pero es una continuación adaptada al gran formato; no puede tener el mismo ritmo, no puede tener la misma forma. En el formato que tiene Enchufe necesitamos que a un personaje se lo conozca en los primeros treinta segundos; en los primeros diez segundos ya tienes que saber cómo es este personaje para un sketch de tres minutos, versus el personaje redondo de una película que lo terminas de conocer en el tercer acto. Entonces tiene adaptaciones al gran formato, pero es la estética que hemos venido desarrollando, es la gran prueba de lo que hemos desarrollado en estos cinco años en Enchufe. Tiene mucho de Enchufe y justamente esa es la apuesta que está haciendo toda la gente que metió dinero, que metió esperanzas en la película, es porque vio lo que hicimos; entonces es como la evolución del formato que hemos construido.

LC: ¿Cómo se armó la plataforma de producción de esta película?

JU: La película es una co-producción con Colombia, con la empresa Dinamo y prácticamente el valor que agregan ellos es su experiencia en producción; ellos son los que hacen “Narcos”, hacen películas con Tom Cruise y Jackie Chan. Se suma su valor de producción con nuestro valor creativo; de escritura, de talentos y de audiencia.

En eso consiste la fusión entre estas dos empresas, más la capacidad de producción de los distribuidores que son los inversionistas de la película; la película se hizo con dinero de los distribuidores, por ejemplo, Sony para México y Estados Unidos, Pondero para Perú, Cine Colombiano para Colombia, que son las personas que invirtieron previamente en el proyecto. Ese es el modelo de producción.

LC: ¿Ustedes son distribuidores en Ecuador?

JU: No, nosotros no somos distribuidores en Ecuador. En Ecuador todavía estamos viendo cómo hacerlo.

LC: A propósito del estrellato suscitado alrededor de los actores de Enchufe TV en el continente: ¿cómo crees que ha sido posible esto si ustedes no han gastado en campañas de promoción, no han tenido portadas de revistas, no han tenido trajes caros y alfombras rojas?

El star system que se creó alrededor de Enchufe es gracioso porque es un star system que se vino dando, no fue planificado, fue algo que pasó y que tampoco era un objetivo dentro del proceso inicial. Así que esto se produjo debido al formato de “influencers”, dentro de la categoría internet, es decir, que son personas muy cercanas a su audiencia por el hecho de que tú ves internet en tu celular y tu celular lo ves mientras comes, mientras estás en el baño, mientras estás viendo tele, etc. Esta cercanía que te da las caras que ves en el internet, hace que cuando vean a Raúl, a Nataly, a Orlando en la calle, la gente se lanza a abrazarlos como si los conocieran durante toda su vida y eso es algo super extraño en relación a las estrellas que vemos en medios tradicionales. Por ejemplo, estábamos con Eugenio Derbez, que es una gran estrella, y estábamos caminando en México con él y la gente se le acerca diciendo “Eugenio soy tu fan y vi tu estrella de la fama en Los Ángeles…” y conocen de la misma manera a Nataly y se lanzan a abrazarla y le dan besos y es que los admiran a ambos, pero a uno lo sienten súper cercano y al otro lo tienen en un pedestal. Es extraño como el internet te da una forma de relación muy nueva respecto de las figuras públicas. Eso nos ha pasado un montón dentro de Ecuador, Colombia, México, Perú; a las estrellas de televisión, de los grandes formatos se los admira mucho, pero, en el caso de las figuras de internet, se los tienen como amigos.

Quizá se tergiversa esta idea de estrellato, porque no es fama, no son como Brad Pitt; es una popularidad regional, pero sigue siendo popularidad y se puede tergiversar. Yo sinceramente soy muy reacio a la idea de la fama, la idea del reconocimiento público muy grande, porque siento que este es un proyecto que se armó con mucha humildad por el hecho de que todos trabajamos día y noche. Prácticamente nunca veíamos a la gente que nos veía porque pasábamos metidos en la oficina trabajando y este reconocimiento podría tergiversar la idea con la que nació este proyecto en nosotros. Es peligroso y yo no puedo hablar con todos los actores, pero por lo menos con los que puedo hablar, les pido que mantengan todo este reconocimiento como el aplauso de tu jefe porque estás haciendo un buen trabajo. Ellos se merecen esto y mucho más, pero, siempre les pido que no permitan que cambie la idea con la que empezamos todo esto, que es la de hacer un buen trabajo y nada más.

Sin embargo, creo que este bichito riesgoso de la fama no te agarra cuando lo trabajaste demasiado y sabes cuánto vale y que es parte de tu trabajo; al contrario, si te agarra de un día para otro y eso pasa con muchos actores, porque de pronto fueron seleccionados para alguna cosa que les fue increíblemente bien y creen que son lo máximo; eso sí es súper peligroso.

Enchufe se creó con el modelo del proceso que tenía el INCINE de “todos hacemos todo”; los actores también ayudan a cargar cajas, a construir sets y ayudan a barrer al final y eso es lindísimo porque es un trabajo en conjunto. Justamente cuando hay eso y de pronto llega este reconocimiento, es lindo; pero cuando llega de la nada es peligroso.

LC: El trabajo hecho y también el trabajo que hay por hacer es el único antídoto que puede proteger contra el riesgo de la fama gratuita de la que hablas.

Por supuesto; es más, yo estoy sumamente feliz de que sean tan reconocidos, tan vistos y que sean estrellas y les pido que por favor se preparen como estrellas; que hagan ejercicio, que aprendan a hablar, a cantar, a bailar y que de verdad se tomen en serio esto de ser una estrella porque están en el camino de serlo.

LC: ¿Cuándo y en que ciudades se estrena Rock N´Cola?

JU: El estreno tentativo de Rock N´ Cola, porque aún no sabemos a ciencia cierta las fechas, es el primer trimestre del 2018. Se estrenará simultáneamente en toda Latinoamérica y Estados Unidos. Estoy hablando con los productores y distribuidores para iniciar procesos de venta en Japón y China, porque Enchufe se ve en los metros y aeropuertos de China; no lo sabíamos, pero siempre nos mandan videos de que están pasando Enchufe TV con subtítulos en chino, en los aeropuertos y la gente los ve y ríe. Como Enchufe funciona afuera, creo que la película también puede funcionar afuera del continente porque está anclada en conflictos súper universales y así como nuestro contenido ha funcionado en Rusia, también podría llegar a ser expuesto en Asia y en Europa. Estos son nuevos retos de distribución.